Como muitos já sabem, a saga Star Wars é dividida em duas trilogias: a antiga (lançada entre as décadas de 70 e 80) e a nova (lançada entre a década de 90 e nos anos 2000). Fazendo jus à ordem de lançamento, começaremos falando da antiga trilogia. 

Episódio IV - Uma Nova Esperança (1977) No primeiro capítulo da trilogia original, conhecemos o protagonista, Luke Skywalker (Mark Hamill), nativo do planeta Tatooine. O garoto sonha em se tornar um mestre Jedi (o termo "Jedi" se refere aos guardiões da paz e da justiça dentro do universo mostrado na trama). Depois de desvendar uma mensagem da Princesa Leia Organa (Carrie Fisher), que está mantida refém do terrível vilão Darth Vader (voz de James Earl Jones) Luke resolve embarcar em uma jornada ao lado de Han Solo (Harrison Ford), Chewbacca (Peter Mayhew), C-3PO e R2-D2 com o objetivo de resgatar a Princesa e destruir o Império. Destaques para os efeitos especiais que revolucionaram o gênero ficção na época, além da trilha de John Williams, que mais tarde se tornaria um marco do cinema. 

 Episódio V - O Império Contra-Ataca (1980) Já na segunda parte da trilogia, Luke precisa se tornar um mestre Jedi para que seu duelo com Darth Vader possa ser realizado. Para isso, vai até Mestre Yoda (voz de Frank Oz), que lhe ensina tudo o que é necessário para Luke ter domínio e conhecimento sobre a Força. Enquanto isso, Han Solo, Leia, C-3PO, R2-D2 e Chewbacca tornam-se reféns de Darth Vader, que os usa para atrair Luke. É neste filme que temos a frase icônica e que começaria uma reviravolta tanto dentro da saga quanto na história do cinema: Luke, eu sou seu pai!

Episódio VI - O Retorno de Jedi (1983) Em seu último capítulo, a saga Star Wars se encerra com o confronto final entre Luke e Darth Vader. Luke precisa combater o Império, e para isso, precisa também eliminar seu pai. No entanto, como isso é uma missão difícil para Luke, este tem a ideia de trazer seu pai para o bem, eliminando-o do lado negro da força. Para tal ato ser realizado, é necessário que Luke enfrente o Imperador Darth Sidious (Ian McDiarmid), responsável por converter Anakin Skywalker em Darth Vader. 

George Lucas, diretor e roteirista da saga, afirmou que preferiu contar sua história de trás para frente, já que na época era difícil garantir tantos recursos que resultassem em grandes efeitos especiais. Portanto, a nova trilogia é focada em Anakin Skywalker (Jake Lloyd/Hayden Christensen), narrando sua fase Jedi até chegar no momento em que passa para o lado negro, se transformando no temível Darth Vader.

Episódio I - A Ameaça Fantasma (1999) Este é o primeiro filme da saga se considerarmos a ordem cronológica. Aqui, conhecemos Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) e seu aprendiz Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor). Ao visitarem o planeta Tatooine, conhecem o jovem Anakin Skywalker (Jake Lloyd). Qui-Gon observa um grande talento no garoto, o que o leva a concluir que ele leva jeito para se tornar Jedi. Porém, o conselho Jedi possui certas dúvidas acerca do garoto, revelando que a Força não se manifesta conscientemente em Anakin.

Episódio II - O Ataque dos Clones (2002) Aqui já vemos um Anakin crescido, interpretado por Hayden Christensen. Em sua adolescência, Anakin encontra-se revoltado por esconder sua relação afetiva com Padmé (Natalie Portman), e por seguir ordens do conselho Jedi. Como o próprio título sugere, um exército de clones descobertos por Obi-Wan surge para combater os androides liderados pelo Lorde Dookan (Christopher Lee), o que gera uma perigosa batalha intergalática. 

Episódio III - A Vingança dos Sith (2005) É aqui que ocorre a polêmica transformação de Anakin Skywalker em Darth Vader. Manipulado pelo Senador Palpatine/Darth Sidious, Anakin é convertido para o lado negro da Força, já que é totalmente contra às normas impostas pelos Jedi. É válido citar a incrível cena da luta de Anakin e Obi-Wan, que mostra o auge da rebeldia de Anakin. 

Com estreia marcada para dezembro deste ano, Star Wars VII - O Despertar da Força dará continuidade à franquia depois da trilogia de Luke. Ao que tudo indica, os protagonistas serão os filhos de Luke, Leia e Han Solo. O filme também conta com a presença de novos integrantes ao elenco, como Andy Serkis, Oscar Isaac, Lupita Nyong'o, Adam Driver, entre outros; além da saída de George Lucas na direção, e com a entrada de J.J. Abrams, responsável também pela franquia Star Trek.

O Estante Nerd está voltando com os Especiais, nos quais falaremos sobre algum livro, série ou filme que mereça um post inteiro só para si. Neste retorno, a série escolhida foi Chuck, exibida pela NBC entre 2007 e 2012.

A série conta a história de Chuck Bartowski, um nerd especialista em computação que trabalha em uma loja, a Compre Mais. No dia do seu aniversário, ele recebe um e-mail de Bryce Larkin, seu ex-colega de quarto e responsável pela sua expulsão da Universidade de Stanford. O que Chuck não sabe é que Bryce é um agente da CIA, e que o e-mail contém todos os segredos governamentais dos Estados Unidos, o Intersect. De alguma forma, todo o conteúdo é baixado no cérebro de Chuck, que acaba se tornando a única “cópia” dos dados.

Mesmo sem saber nada sobre, Chuck se vê obrigado a se tornar um espião “por meio período”, já que tem que continuar como atendente da loja para manter o disfarce. É aí que entram Sarah e Casey, os agentes designados para cuidar de Chuck enquanto ele é a única cópia do Intersect.

Chuck é aquele tipo de série que tem de tudo: comédia, ação, romance, mistério. Apesar de ser o cúmulo do clichê falar isso, é verdade. Entre tudo isso, o que domina é a comédia. A falta de habilidade do Chuck, tanto nas missões quanto nas relações amorosas – quase inexistentes por motivos óbvios – é o que deixa a série tão engraçada. Sem falar de Morgan, melhor amigo do protagonista, que é tão nerd quanto.

A femme fatale Sarah forma com Chuck um dos casais mais shippáveis das séries de TV. (Eles até ganharam destaque no nosso TOP 10, confira!) É impossível não torcer para os dois ficarem juntos logo no começo da série. Esse romance também proporcionou bastante sofrimento – inclusive para quem assistiu – e muito drama ao longo das cinco temporadas.

O núcleo da Compre Mais também é outro ponto alto da série. Com Morgan com medo de perder Chuck para a Sarah e querendo que ele seja sempre o cara viciado em vídeo games, Casey tentando se passar por um vendedor normal, muito diferente do cara que sempre perde a paciência com Chuck pelas burradas que ele faz nas missões, e Jeff e Lester que até montam uma banda nesse meio tempo. Os plots passados na loja eram, geralmente, secundários, mas davam aquela aliviada na tensão e às vezes chegavam a ser mais divertidos que os principais.

Chuck não deixou a peteca cair ao longo de suas cinco temporadas. Sempre tinha algo novo a ser abordado com os personagens. Não foi uma daquelas séries em que nada muda. Tudo bem, algumas reviravoltas eram dignas de novelas, mas era o suficiente para nos deixar esperando pelo próximo episódio.

A série passou muito tempo na “corda bamba”, sempre prestes a ser cancelada. Mas, graças aos fãs, isso não aconteceu. Com a campanha Save Chuck, os fãs conseguiram que a série ganhasse sua terceira temporada em 2009. A temporada inicialmente teria 13 episódios, mas acabou com 19. E assim, Chuck chegou até sua quinta temporada. Apesar de ter acabado com um final decente, a série merecia ter mais tempo no ar, mesmo que só mais um ano. Chega até a ser difícil de entender o motivo de uma série tão boa ter tido pouca audiência.

Fica aí a dica de uma série incrível que tem potencial para agradar aos mais diversos gostos. Super leve e rápida de se assistir, Chuck é divertidíssima e é daquelas séries que você termina a maratona e já está com vontade de rever tudo de novo.

Sabem aquelas histórias que são simples, mas existe uma magia, um diferencial na forma que elas são contadas? Que talvez, se fossem simplesmente narradas de outra maneira, elas perderiam boa parte do encanto? Mas que por terem sido usadas justamente as palavras certas, nos momentos certos, tudo simplesmente torna cada linha mágica? Então, é disso que se trata essa obra-prima que é "A Menina Que Roubava Livros".

"Tive vontade de lhe explicar que constantemente superestimo e

subestimo a raça humana — que raras vezes simplesmente a estimo."

- A Morte

Não existe novidade na brutalidade que foi a II Guerra Mundial, um tema já batido e rebatido em muitas histórias reais e fictícias, exploradas bilhões de vezes no cinema, nos livros, na TV. Porém, na maiorias das vezes se retrata pela visão dos judeus, que foram as maiores vítimas do holocausto. Então, de repente nesse livro maravilhoso e indispensável, nos deparamos com um ponto de vista inédito: Liesel, uma menina alemã, uma criança, filha de comunistas (também perseguidos pelo governo do Terceiro Reich), que é adotada por uma família alemã pobre que não simpatiza com a política nazista, porém vive fingindo aceitar.

Liesel é a protagonista, mas a vida da garota é narrada por um outro personagem. Aquele que faz toda a diferença. Sem o qual, diga-se de passagem, esse livro seria apenas só mais uma história comovente e triste sobre o horror da II Guerra Mundial. Porém, dessa vez, pode-se dizer que a maior presença que existe em toda e qualquer guerra, aquela que está sempre a espreita, e que provoca sempre um embaraço, um constrangimento, uma eterna vontade de ignorar sua existência, aquela com quem ninguém gosta de lembrar que tem um encontro indefinido, porém certo. À qualquer dia, qualquer hora. Apenas dessa vez, é ELA quem vai nos contar a história. E, de repente, vamos nos sentir tão íntimos, e vamos entender o quanto, talvez, nós não sejamos tão diferentes ou tão mais humanos do que a nossa ilustre narradora: a Morte.

O livro logo inicia com uma descrição linda e digna de lágrimas sobre a história da Liesel. Ela é uma sobrevivente, nas palavras da própria Morte - uma especialista em ser deixada para trás. A vida da menina é uma constante despedida, principalmente a despedida de sua inocência, porque o livro inteiro é ela adquirindo a consciência da terrível realidade que ela está vivendo. Ela começa infeliz, sem entender muito bem porque sua mãe desaparecera, o que significava a palavra judeu, ou comunista. Tudo era estranho e incompreensível, e aos poucos Liesel foi entendendo a desumanidade daquilo tudo. E observar a garota crescendo, a medida que vai aprendendo a ler, e se apegando a sua nova família é simplesmente magnânimo, porque é tudo pelos olhos da Morte, de modo que você imagina que de alguma maneira ou de outra haverá algum encontro entre ambas, e isso não é escondido em nenhum momento. Nós sabemos desde o início qual será o fim. Afinal, que outro fim poderia ter um livro narrado pela Morte?

A narradora já viu todas as piores coisas que se poderia ver no mundo, afinal, ela é a pior das consequências para a destruição. Mas é através do olhar da menina que ela passa a ver as coisas de uma outra maneira. Ela se comove. A Morte, já tão fria e dura, pode-se dizer até que entediada, se interessa por uma menina simples e humilde, vivendo em plena Alemanha nazista, na ascensão daquele que seria um dos piores ditadores que o mundo já viu. Mas a Morte viu além, ela viu a criança que descobriu a magia da leitura no meio da destruição, e viu paz, amizade e inocência onde só havia guerra. Como não se sentir curiosa por alguém que tem esse poder? De transformar algo tão feio em beleza?

Além de Liesel, o livro traz outros personagens inesquecíveis. O meu favorito, particularmente, é o Hans Hubermann, pai adotivo de Liesel. Ele é o primeiro que a menina sente como pai, e ama com todo seu coração de criança. E não é por menos, a alma de Hans é de uma bondade que beira a insanidade. Um quote que basicamente resume o grande homem que é Hans.

Um outro personagem digno de nota é Max Vandenburg, o judeu que, graças a uma dívida de vida que Hans tinha com seu pai, acaba protegido pela família Hubermann e sendo escondido no porão da casa, estabelecendo assim uma linda amizade com Liesel. A Morte gosta de chamá-lo de O Lutador, se referindo a ele várias vezes assim durante o livro, e a medida que vamos lendo sua história, descobrimos o porquê. A relação dele com a roubadora de livros é algo que comove até o fundo da alma, e é de uma pureza e sinceridade , porque a menina surge como um anjo, o tratando como - não um príncipe ou um rei, porque não precisa de tanto - na Alemanha nazista, Max se sentiu o melhor de todos os seres humanos ao ser ao menos tratado como tal, e Liesel lhe fez muito mais que isso, além de respeito, ela lhe deu amor e confiança. Era muito mais que Max poderia sonhar.

Um dos lindos momentos entre Liesel e Max é, sem dúvida, quando ele lhe presenteia com "O Vigiador" por seu aniversário de 12 anos, um livreto de 13 páginas escrito a punho por ele próprio - apagando com tinta branca o Mein Kampf ("Minha Luta", livro escrito por Adolf Hitler, considerado a bíblia nazista) - e usando tinta preta nas paginas agora em branco, Max relata de maneira simbólica a história deles dois. É um dos momentos do livro que é impossível não derramar lágrimas.

O VIGIADOR

"Toda minha vida tive medo de homens velando sobre mim.

Um filme que representa uma grande marca para a história do cinema, Laranja Mecânica é um filme baseado na obra de Anthony Burgess, com a direção de um dos diretores mais famosos do mundo, Stanley Kubrick. Ele estreou em 1971 e por isso surpreende muitas pessoas até hoje pelo o seu uso de violência extrema.

A história se passa em uma Inglaterra do futuro. Alex (Malcolm McDowell) é líder de uma gangue de drugs que invade casas, estupra mulheres, e pratica um ato de violência extrema com os moradores. Um exemplo de seus atos é quando ele foi à casa de um velho, espancou muito ele a ponto de deixar ele paraplégico, e estuprou sua esposa. Alex fez tudo isso cantando e dançando Singing in the Rain, uma de suas músicas preferidas.

Alex também não é um bom líder para sua gangue. Ele impõe regras rudes sobre eles, e se um de seus drugs não lhe obedecer, ele toma medidas drásticas, como por exemplo, cortar a sua mão, ou lhe espancar.

Tudo ia bem, até que um dia ele foi assaltar uma casa, provocou a morte de uma mulher sem querer, e foi traído por seus colegas de gangue, o que resultou em ele ser pego pela polícia.

É a partir daí que entra o clímax do filme. Alex é condenado a 14 anos de prisão, porém ele só passa 2. Em vez de continuar na prisão, ele é submetido à um rigoroso tratamento, que inclui botar um par de ganchos em seus olhos e pingar um soro neles, para ter um efeito diferente. Ele é obrigado a assistir filmes violentos ao som de sinfonias que ele gosta. Esse tratamento é chamado de Tratamento Ludovico.

Eu estava observando algumas pessoas comentando que imaginavam a cura gay, que foi aprovada recentemente, seria como o Tratamento Ludovico. E também já vi um pastor comentando que queria usar o Tratamento Ludovico como forma de curar os ateus, homossexuais, etc. A comparação é sim, justa, pois o tratamento é pesado e muito forçado. Eu também confesso que pensei no Tratamento Ludovico quando vi esses acontecimentos.

Prosseguindo com a trama do filme, o Tratamento Ludovico faz com que Alex tome pavor de praticar violências e até de tocar em mulheres. Quando ele retorna para sua casa, seus pais estão hospedando um novo homem, que tira de Alex o quarto. Seus pais também revelam que a sua cobra de estimação está morta, e que seus pertences pertencem agora ao novo morador.

Indignado, Alex sai de sua casa e ao andar na rua, é perseguido pelos mendigos que foram suas vítimas. E enquanto não podia piorar, seus ex-membros de gangue, que agora viraram policiais, o levam para um local isolado, enfiam sua cara em um tanque de água sujo, e começam a lhe espancar.

Até aí você pensa se deve ou não sentir pena do Alex. Se ele realmente merece sofrer e pagar por tudo o que ele fez de ruim, ou se ele não merece sofrer tanto assim, já que ele já tinha sofrido demais na prisão e no tratamento e já tinha aprendido a lição o suficiente. Eu fiquei entre o meio termo.

Depois de estar muito machucado, Alex percorre uma boa parte da cidade até chegar na casa do velho que ele tinha deixado paraplégico. O velho de início não reconhece Alex, então por isso o deixa ficar hospedado em sua casa.

Mas aí vem uma das cenas, que pra mim, é uma das melhores do filme. Quando Alex está tomando banho e fica cantando Singing in the Rain, o velho começa a lhe reconhecer, pois quando Alex tinha invadido a sua casa, ele estava cantando essa mesma música. Essa cena pra mim é genial simplesmente pela reviravolta que ela tem. Acho que naquela época nenhum filme ainda tinha possuído reviravoltas tão inteligentes assim.

Depois de descobrir a identidade de Alex, o velho prepara um plano para que Alex se suicide. O plano é trancar Alex em um quarto ao som da sinfonia de Bethoven, que como vocês se lembram, é a sinfonia que deixa Alex em pânico graças ao Tratamento Ludovico. O plano dá certo. Alex entra em pânico, começa a ficar louco e pula pela janela. Porém sobrevive à queda.

Alex acorda em um hospital, e parece ter voltado a ser o mesmo que era antes, e vê as pessoas que lhe aplicaram o Tratamento Ludovico. Elas lhe pedem desculpas pelo rigoroso tratamento, e oferecem um acordo à ele: Eles lhe oferecem um bom trabalho se ele aceitar apoiar a eleição do partido político conservador, cuja imagem pública se viu seriamente danificada pela tentativa de suicídio dele e o polêmico tratamento ao qual foi submetido. O filme se encerra com uma visão de Alex transando com uma mulher na neve enquanto é rodeado por damas e cavalheiros vitorianos.

Finalizando, Laranja Mecânica é um filme incrível e que realmente deve ter revolucionado muito na época. Mas na minha opinião, a direção do Stanley Kubrick não foi essa coisa toda que falam. Não li o livro ainda, porém pretendo ler ainda esse ano, porque sei que deve ser genial igual à este filme.

A obra mais ambiciosa de Vladimir Nabokov, o russo que brincou com a língua inglesa com uma habilidade assustadora, é o “Especial” da vez. Esta obra polêmica foi lançada em 1955 causando uma comoção sem proporções, pois se hoje em dia seria de uma controvérsia absurda um livro narrando a história de um romance sórdido entre um homem na faixa dos quarenta anos e uma garotinha de doze, que por sinal, era sua enteada – e que de inocente não tinha nada – imaginem como foi recebido a obra em sua época, ainda naquele período tenso pós-guerra? Enfim, o livro foi censurado em diversos países, inclusive na própria Rússia, pátria do autor, apesar deste ter escrito o livro primeiramente em inglês, língua a qual pareceu tão à vontade em escrever que achavam difícil de acreditar que não era sua língua natal. Eu tive a sorte de encontrar a melhor das traduções deste livro, que é a feita por Jorio Dauster, que com muito esforço conseguiu manter a linguagem muito mais poética e bem pouco literal que o autor tentou passar (e conseguiu).

O que é incrível não é só a história em si, mas o que ela é capaz de provocar. Repugnância, por se tratar de um romance criminoso, curiosidade científica (psicólogos e psiquiatras analisam Lolita até hoje), e por fim, lágrimas de compaixão quando se percebe o que um amor quando movido de loucura pode fazer. É necessário ter uma certa sensibilidade e, confesso, um certo gosto pela beleza da tragédia, para se deixar levar – e comover.

O livro, diga-se de passagem, é nada mais que 300 páginas de uma declaração de amor de uma pessoa claramente insana. Alguém cuja vida foi arruinada por uma obsessão, um desejo doentio. A triste história trágica do professor Humbert Humbert (nome falso, como ele esclarece), preso por assassinato e, que antes de morrer de trombose coronária, deixou em sua cela um relato por escrito de sua história de amor e tragédia. E este pede, encarecidamente, que seu relato seja levado a público para que todos possam vim a saber, independente dos julgamentos sociais, e de quanto tudo aquilo era errado e sórdido, “o quanto ele amou sua Lolita”, acima de tudo, tenha sido loucura ou desespero, mas ele acredita que foi amor. Ele enfatiza que o único nome verdadeiro que manteve foi o de Lolita, porque jamais teria coragem de alterar a sua identidade, como fez com todos os outros integrantes da história.

Então é com a ideia de que estamos lendo um relato post mortem que começamos com a obra tão chocante, crua e ao mesmo tempo uma das mais humanas, no sentido mais primordial da coisa, pois existe algo mais humano do que o pecado? E o nosso mocinho não poderia ser mais pecador, além de um assassino, é um pedófilo assumido (pelo menos, para ele mesmo). E apaixonado. Deixando claro em várias passagens do livro a sua patologia, a sua total consciência da  doença e do quanto ele a repugna, porque ao contrário do que seria o comum, antes de Lolita, ele nunca havia tocado outra criança, ele se continha, tinha nojo do próprio desejo.

Uma das partes mais peculiares é que é simplesmente impossível odiar o Humbert, e talvez algumas pessoas estranhem essa afirmação, de que eu simpatize muito mais com ele do que com a própria Lolita, que era para ter o lugar de “vítima” da história, mas é algo meio entrelaçado no livro. Nabokov escreveu uma obra tão incrivelmente psicológica que a Lolita poucas vezes provoca pena ou simpatia, muito pelo contrário, ela é cheia de joguinhos e artimanhas, uma espécie de cigana que brinca de ser criança, um lobo em pele de cordeiro.

Entramos no mundo de “Lolita” tendo consciência de duas coisas: primeiro – Humbert está morto. Segunda - Lolita também. Apenas não sabemos como ocorreu. E isso nos enlouquece até chegar ao final, porque ele vai soltando aos poucos coisas que aconteceram, e você fica maluco querendo chegar logo na parte.

O livro tem tantos quotes incríveis que eu queria poder colocar todos aqui, infelizmente, não posso. Foi escrito de uma maneira tão sofisticada, que se lido em voz alta pode soar como poesia. Mas o início é um clássico, uma dança em prosa, uma música em forma de palavras – e foi quase que literalmente colocada no início da adaptação cinematográfica de 1997 (a única que eu considero, tendo em vista que a de 1962 é TERRÍVEL).

Pela manhã ela era Lô, não mais que Lô, com seu metro e quarenta e sete de altura e calçando uma única meia soquete. Era Lola ao vestir os jeans desbotados. Era Dolly na escola. Era Dolores sobre a linha pontilhada. Mas em meus braços sempre foi Lolita.” 

Uma das curiosidades de Lolita é que foi através do livro que surgiu a expressão “nymphet”, ou traduzindo, “ninfeta”. O autor, através do personagem de Humbert, revela o conceito tão mal interpretado muitas vezes, criado na ficção pela própria mente insana do professor.

Uma das maiores belezas do livro está na sua dualidade, à medida que você vai entrando na complexa maldição que Humbert carrega, você acaba por sentir que não sabe quem é mais vítima naquela história toda. Lolita usa do amor dele quando é necessário, faz pouco, faz charme, provoca, como um pequeno demônio com trejeitos de anjo.

Por outro lado também é impossível saber se realmente os fatos ocorreram como estão relatados, pois tudo que sabemos é o ponto de vista de Humbert, um ponto de vista completamente conturbado e parcial, motivado pela obsessão. Ou seria puro amor cego?

O livro leva ao clímax mais visceral, inquietante e desesperador que eu já li. De uma cena de reencontro que estraçalha o coração do leitor e seguindo a cena do assassinato que é aguardada desde o início da obra. E então segue-se um diálogo incrível que infelizmente não está presente no filme, antes de um Humbert completamente movido a desamor e desesperança e sem qualquer razão de permanecer vivendo cometer o crime que o leva a prisão de onde ele escreve o livro que se chamará Lolita.

Enfim, eu super indico esse livro, é DE LONGE, o melhor livro que eu já li na vida. Mas somente se você tiver lido uma certa quantidade de livros que te acrescentem uma certa maturidade literária, porque não é um livro muito fácil de interpretar.

E para finalizar, um último quote que fala do período em que eles estavam viajando por todo o território americano, sem fixar residência, vivendo socialmente como padrasto e enteada, porém às escondidas viviam como homem e mulher. Só para expressar o quão paradoxal era o interior de Humbert, o quanto ele vivia em uma constante batalha moral, e como Nabokov foi um gênio ao mostrar isso, e comover revelando um mocinho tão consciente de sua própria imoralidade.

Em meio a Copa das Confederações e com protestos estourando nas maiores capitais do país, nada mais relevante que fazer um editorial falando um pouco disso e, claro, relembrando o filme “símbolo” das revoltas: V de Vingança.

O filme foi lançado em 2006 com direção de James McTeigue (dirigiu Ninja Assassin e O Corvo), roteiro e produção dos talentosos irmãos Wachowskis (Matrix), e é a adaptação da HQ homônima escrita por Alan Moore, o que por si só já vale assistir.

Quando olhamos imagens dos protestos no Brasil sempre vemos alguém com uma máscara de Guy Fawkes (Londres 1570-1606), que de maneira nenhuma é um personagem fictício e é usado como símbolo em V de Vingança e, mais tarde pelo grupo de hackers denominados Anonymous. Fawkes viveu em York, Inglaterra e foi o idealizador da Conspiração da Pólvora, que pretendia matar o rei Jaime I e todo o parlamento durante uma reunião, alem de ser o estopim de um levante católico na Inglaterra protestante. A conspiração foi descoberta e Fawkes foi enforcado por traição e tentativa de assassinato, até hoje, na Inglaterra o dia 5 de novembro é lembrado como Noite das Fogueiras, em homenagem a ele.

O filme retrata uma Inglaterra meio que futurista, que depois de uma guerra civil que devastou os Estados Unidos, implanta um governo autoritarista onde tudo e todos são controlados pelo Chanceler Adam Sutler (John Hurt). É nesse pano de fundo que conhecemos Evey (Natalie Portman), e já no começo ela é atacada e ameaçada de ser estuprada, mas V (Hugo Weaving), que usa uma máscara de Guy Fawkes para esconder sua identidade, aparece e a salva, leva-a para cima de uma cobertura para assistirem a explosão de um importante prédio do governo. Assim chamando a atenção do estado e da população a possibilidade de liberdade (ou seria anarquia?) para essas pessoas que a tanto tempo são alienadas pelo regime implantado.

O filme é carregado de uma forte ideologia contra a corrupção governamental, que nós, como brasileiros, sabemos bem o que significa. Mesmo que o filme seja radical nesse ponto pelo interesse de contar uma história é possível fazer as relações com o nosso contexto. Somos deixados de lado em prol de um crescimento econômico e mantidos sobre controle por políticas públicas regadas de populismo, que prima por medidas paliativas e de curto prazo, deixando de lado o investimento necessária em educação e saúde que são as bases necessárias para que nosso país saia da estagnação e que a população possa ter alguma qualidade de vida.
O filme mostra uma ditadura forte simbolizada na figura de Adam Sutler, e no Brasil vivemos sob o lado ruim do capitalismo, somos o elo mais fraco no ambiente econômico mundial e sofremos com os altos índices de pobreza e de concentração de renda. De maneira diferente do filme, com certeza, fomos levados a nos manifestar contra um governo que não tem o povo como instrumento para subir ao poder, somente o levando em consideração em ano de eleição. Não importa o partido no poder, se é esquerda ou direita, o povo nunca é lembrado como se deve.

 

No filme, o povo vive em inércia, aceitando o que o governo lhes dita e sendo controlados rigorosamente e punidos quando as regras são desobedecidas, e em meio a isso tudo surge V, a figura que irá representar o movimento contra a ditadura em vigência. Ele faz com que as pessoas se revoltem contra o sistema e que se movimentem em busca de seus direitos. No Brasil, em uma comparação bem torta, tem a imagem dos protestos em São Paulo, de um povo que se cansou de pagar por serviços porcos de transporte e resolveu protestar, sendo violentamente reprimida pela PM, essa repressão funcionou como um símbolo para que no resto do país todos abrissem os olhos pros absurdos que são cometidos pelo poder publico, pelo tamanho da censura que vivemos, que é mascarada pela mídia. A repressão causou uma reação em cadeia, muito bem representada pela simbólica cena dos dominós próximo ao clímax do filme. Muitas cidades brasileiras se uniram a São Paulo, nos dias seguintes a primeira manifestação e assim o movimento ganhou força no resto do país.

Voltando ao filme em si, ele é lindamente dirigido, cada cena é importante para o enredo e a dedicação com que cada história foi contada já conquista qualquer telespectador. Há cenas tão carregadas de emoção e importância narrativa que não da para desgrudar os olhos. Nos apegamos a V mesmo ele sendo frio do mesmo jeito que Evey se apaixona por ele. A cena dos dominós caindo me deixou sem palavras, e a do final, quando (SPOILER) a população todo está vestida de V e passa pelo exército para ver a explosão do prédio do parlamento (FIM DO SPOILER) é absolutamente impecável.

Talvez a única coisa que chegou a me incomodar o bastante para ser um defeito no filme é o sotaque de Natalie Portman, no me entendam mal, eu sou muito fã dela, uma das melhores atrizes da atualidade, fez um puta trabalho em Cisne Negro, mas ele pareceu tão forçadinho nesse filme. Porém, isso é algo mínimo em comparação a genialidade do filme, e a atuação dela é perfeita nele. Hugo Weaving consegue, somente com sua voz, arrepiar qualquer um, é inacreditável como não há expressão em momento algum e mesmo assim a sua voz conseguir passar toda a emoção, ou a falta dela para a cena.

 "God is in the rain"

Talvez o filme tenha uma apologia a anarquia que não seja o melhor para os ânimos de algumas pessoas, sei que para mim não foi, já que sou completamente contra anarquia. Mas é preciso ter discernimento para enxergar o que se pode absorver de um filme e o que não, o que faz do filme algo muito mais instigante.

A narrativa é digna de Alan Moore e é aquela cena final, quando o Inspetor Finch pergunta para Evey quem era V, a resposta não podia ser um final melhor e mais memorável para o filme. Há tantos diálogos incríveis e simbólicos para a sociedade de um modo geral. Vale muito a pena ver, é quase um crime nunca ter assistido. Não existem palavras que expressem o quanto eu recomendo a vocês, ainda mas no momento político em que vivemos ele é absolutamente relevante.

O Estante Nerd abriu um novo Editorial. Agora, toda semana nós postaremos um ESPECIAL. Pode ser um Filme/Livro/Série ou qualquer outra coisa que algum dos NERDS do blog queiram compartilhar com vocês.

A primeira postagem é minha, e eu falarei sobre um filme que, na minha opinião, é simplesmente uma obra-prima. Espetacular. Incrível. Não consigo achar adjetivos melhores para Closer – Perto Demais. Tenho certeza que muita gente já o viu, e essas pessoas ou amaram, ou odiaram. Porque Closer é aquele tipo de filme que se divide em dois extremos de opiniões. Ou você ama, ou você odeia. Muita gente odeia. Mas muita, muita gente ama. E eu sou uma dessas pessoas.

O filme conta a história de quatro pessoas: Anna, interpretada por Julia Roberts, Dan, interpretado por Jude Law, Alice que é interpretada pela brilhante e magnífica Natalie Portman, e Larry, vivido por Clive Owen. Esses quatro vivem uma história de amor, que começa sendo dois casais, e depois transforma-se num quadrado amoroso e os quatro acabam sendo interligados em uma só história.

Dos quatro atores, dois receberam indicações ao Oscar de 2005. Natalie Portman e Clive Owen, por Melhores Atores Coadjuvantes. Não entendo a categoria das indicações, já que os quatro são os principais do filme, e Natalie e Clive são os que mais tem cenas. Mas acho que a academia priorizou os nomes de Julia Roberts e Jude Law. Lembrando que Natalie não era tão privilegiada na época, talvez por isso não tenha ganhado. (Na época, perdeu para Cate Blanchett). 

Aliás, nenhum dos dois levou a estatueta. Clive Owen perdeu para Morgan Freeman. E Closer não foi indicado a mais nenhuma categoria da Academia. Porém, o filme levou Dois Globos de Ouro. As indicações foram a mesma do Oscar: Melhor atriz Coadjuvante para Natalie Portman, e melhor ator coadjuvante para Clive Owen. Ambos ganharam. Mais do que merecido.

Devo dizer que na minha concepção, Closer é o filme mais sincero sobre relacionamentos que até hoje tive o prazer de assistir. Sou extremamente fã desse filme. E muita gente o subestima por achar que é o do Woody Allen! O filme NÃO É do Woody Allen. Allen é apenas produtor. O filme, na verdade, é dirigido e roteirizado por Mike Nichols, que dirigiu também “A Primeira Noite de um Homem”, e a série “Angels in America”. (Lembrando que não tenho NADA contra o Woody Allen. Eu adoro os filmes dele, mas só esclarecendo essa informação, pro pessoal que subestiam Closer).

O Filme tem umas passagens filosóficas, como qualquer coisa que tenha o dedo do Woody Allen. São frases maravilhosas, a maioria dita por Natalie Portman, interpretadas magnificamente. Frases como “Porque você não deixa eu te amar?”, “Nunca ninguém irá amar você como eu amo”, “Todo mundo ama uma grande e gorda mentira”, podem ser vistas no filme.

Diálogos são o ponto alto de Closer. Eles são incríveis. Ditos com paixão, você consegue sentir o ódio, a felicidade, a sinceridade das palavras. Atuações incríveis, dos quatro. Cenas como a clássica da boate, contracenada por Clive Owen e Natalie Portman, onde a personagem de Portman, Alice, e o de Owen, Larry, conversam sobre seus namorados (Dan, e Anna) que os traíram. É uma cena incrível, uma das minhas favoritas.

Outra cena de diálogo incrível é a de Julia Roberts e Clive Owen. Ele volta de viagem, e percebe que ela o traiu com Dan. Claro, como sendo um homem das cavernas, ele age agressivamente. Não a agride, mas grita muito, pede informações um tanto quanto perturbadoras (o local onde eles fizeram sexo, se ela gostou, que posição...). Tem linhas de falas incríveis, e Julia Roberts atua muito bem. Os dois, os quatro! Jude Law também tem cenas incríveis. As discussões de Dan e Alice são as melhores. Uma em particular, me deixa extasiado só em ver. É perto do final esplêndido do filme, e os dois tem uma discussão de cair o queixo.

Pro final, deixei a abertura do filme. É uma das melhores aberturas que eu já vi! Embalada pela incrível “I Can’t Take My Eyes Off Of You”, de Damian Rice. É uma cena incrível de linda, o momento em que os olhos de Alice e Dan se encontram pela primeira vez. E ela faz um paralelo com a última cena do filme. Essa é a cena que Alice fala uma das frases mais famosas do cinema. Com certeza você já a ouviu em algum lugar, em algum outro filme, série, etc. Deixo vocês com esse gif maravilhoso. Até o próximo DA SEMANA.